Sinopsis:

Moneyball es un drama sobre el baseball profesional, dirigido por Bennett Miller. La película se basa en el libro basado en hechos reales de “Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game”, de Michael M. Lewis. Este libro de nos relata la historia real de Billy Beane, el Gerente General (manager) de los Oakland Athletics, quien utilizó unos complejos análisis estadísticos para confeccionar la plantilla más adecuada para dicho equipo de baseball.

La historia de Moneyball trata sobre dicho equipo y de su manager Billy Beane (Brad Pitt). La película está coprotagonizada por Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Stephen Bishop, Kathyrn Morris y Chris Pratt.

Nos encontramos ante una película que compite de entrada contra su duración, 135 minutos que son utilizados para presentarnos a un manager de un equipo de baseball (¿alguien sabe algo o le importa el baseball por aquí?) “modesto” que ve como los equipos más ricos siempre se llevan a sus mejore jugadores, ya que como cualquier sistema basado en la economía el que más dinero tiene más puede comprar, la ley de la oferta y la demanda. Tal como lo dice en la película y en el trailer el mismo Sr. Pitt: “Hay equipos ricos y hay equipos pobres y después hay treinta metros de mierda y en el fondo nosotros”.

Para afrontar esas vicisitudes contrata a una especie de friki de las matemáticas y la estadística para que le haga un equipo con los jugadores que nadie quiere y !volià! a largo plazo todo sale bien.

[Final y Spoiler:] Resulta que al personaje real le ofrecieron llevar un equipo mucho más grande (y así posicionarse por encima de esos treinta metros de mierda) pero él lo rehuyó, se entiende por conservar su integridad… o algo así, porque él es un baseballero de verdad y no un inversor sin alma, le importan los jugadores y las personas porque él fue uno.

Para acabar apuntaré que esta película tiene un presupuesto de unos 50 millones de $ (según imdb y Wikipedia), esta película juega en los equipos ricos del cine mundial.

Conclusión: Un Bradd Pitt esforzado nos lleva de la mano por una narración sencilla y lineal hablándonos sobre la superación y los problemas de la vida (personal y profesional) en una película sobre un tema que aquí no atrae prácticamente a nadie (baseball) y con una duración ligeramente excesiva.

Su estreno en salas españolas es el 3 de Febrero del 2012.

En esta ocasión son dos bandas: Naturalesa Salvatge y The Waterparties.

Ambos grupos destilan música de calidad, el primero con su álbum Una llum infinita bajo el brazo desde hace unos meses, cuatro guitarras y una batería son su armamento para encandilarnos con temas desde intimistas y envolventes hasta poperos e incluso alguno tropical. En el caso de The Waterparties contamos con un experimentado, el ex-cantante de Half Foot Outside (si no les conoces, tienes que oír esto: Driveways), el ahora guitarra y coros de Me and the bees lleva a cabo este proyecto personal en el que se luce a base de temas instrumentales – experimental, más trash, pero con buenas cuerdas de guitarra (como no podría ser de otra forma) y temas que harán vibrar a cualquiera.

En la sala Underground. C/ Granada del Penedés, 19. Barcelona.L3 Diagonal, FGC-Gràcia. Jueves 2 de Febrero 20:30H Entrada 3€.

Info: Evento Facebook.

Es una novela corta autoeditada (que se vende a un precio ridículo con una edición chula en un único punto de venta: Internet).

Cristóbal es un chaval que de vuelta a su ciudad, y su casa familiar se encuentra con un panorama desolador (su madre se ha marchado con un nuevo novio a Barcelona, su padre compungido trata de seguir adelante, su ex a la que no olvida sale con otro, …) quiere marcharse de ahí, otra vez. Busca y encuentra un trabajo en una pizzeria, de mientras conoce a una chica que le traerá de cabeza… y cuando crees a media novela que todo se volverá en monotonía algo sucede (y que no te esperas) que hará que Cristóbal decida actuar.

Sangre de peperoni con una literatura fresca, bien escrita, de personajes planos pero adictivos (en ese sentido como los que crea Palahniuk, sencillos pero misteriosos), con unas elipsis bien escogidas y encima capaz de transmitir a base de acciones (y no en un simple monologo) su impostura visión pesimista (pero madurada) de la vida; además de una declaración generacional en el que nada parece tener sentido es una entretenida y divertida lectura que agradará a los veinti y treintañeros (los afectados, precisamente, de esta etapa de pasividad total en el que eres demasiado joven para comportarse como un adulto o demasiado adulto para comportarse como un joven).

No solo se luce en la narrativa, sino en los diálogos, algunos forzados otros magníficos como los de la pág.29 en la entrega de un CV en un comercio femenino o los del 34 que paso a citar un extracto.

-(…)Ahora escribo y lavo platos.(…)
-¿Y que escribes? – pregunté.
-Una novela.
-Suena divertido.
-No. Todos mueren.

La nueva generación es ávida tanto de consumo como de producción, nadie quiere que se aprovechen los que no mueven un dedo, por ello hay cada vez más auto edición, filosofía Do it Yourself, … cosa que aplaudo, e invito a que todos compréis este tipo de productos y se olviden de tópicos; si les interesa el contenido, no se fijen en su envoltorio.

Sangre de peperoni, ha sido publicado en Internet por Lulu. Rústica. 129 páginas. Tamaño 15,2 x 22,9 cm. ISBN: 978-1-4478-7730-1

Una muestra que además de proyectar cortometrajes-películas en este antológico formato, se realizarán talleres (desde el revelado de películas Super 8 hasta la grabación pasando por el mantenimiento de la preciada cámara, entre otros impartidos por Carlos Pradera, Oriol Sánchez, Naxo Fiol, Jordi Salinas, Igor Calsina y Ramon Gassó). También se podrá disfrutar de una exposición de fotografías de Marc Mallol así como actuaciones musicales en directo.

Aquí encontrarás toda la información > http://www.super8data.com/mostra/mostra_2012.htm

En tus constelaciones se encuentran los mapas de los caminos. Sólo hay que fijarse en la estrella más hermosa para encontrar un futuro hacia el que avanzar. Porque en ti hay movimiento y así es como me gusta. Con introducción, nudo y desenlace. Con sorpresa final. No me gustan los relatos que estampan sobre sus muros las imágenes de otros.

Ahora el auto rebota en la carretera llena de baches y las contorsiones del Rey me producen angustia. Es la perversión de la imagen convertida en icono.

Cantantes, actores, modelos. Tabacos, bebidas, coches y sopas. Clubs de jóvenes cadáveres. Todo es lo mismo. Imágenes sin carne, ni huesos, ni sangre. Fotos sin respiración ni palpitaciones. Hombres de hojalata con los que nos adornamos porque nos gusta sentirnos cerca de lo que nos gusta. Será que confiamos en algún tipo de contaminación espiritual.

Es más directo explicar la música que escuchas, que mostrar la que compones. Comentar lo que lees, que enseñar lo que escribes. Recitar versos de otros, que atreverte con tus propias rimas. Es más fácil rugir todas las críticas, que crear desde la nada.

¿Y qué hay dentro de un ser que ni compone, ni cocina, ni hace versos? Tal vez sólo exista “el gusto” acompañando al vacío más absoluto. Un abismo al que sólo puedes asomarte agarrado a esos iconos que te contagian de fe.

James Dean, Marilyn Monroe, Jim Morrison, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, Kurt Cobain…Y Elvis con su traje de lentejuelas bendiciéndolos a todos. Tupelo en las patillas fetichistas a prueba de viajes en el tiempo. Admiradores de cualquier parte del mundo, de todos los sexos y edades sueñan con ser Elvis y desdeñan la realidad ¿La qué? La realidad. Sí, aquello que queda cuando te quitas el disfraz.

Todos tenemos un Graceland, una tumba que adorar, un cadáver a través de cual definirnos. Somos seres conceptuales. Pop Art serigrafiado para decorar los pasillos del aburrimiento. Y aunque nunca me lo hayan preguntado, hoy a ti, cielo estrellado, te explicaré que les hubiera dicho que el Surrealismo Pop es más de mi gusto. La historia que subyace bajo el símbolo.

Pero nunca me escuchan cuando ladro. Creen que sólo pienso en comer, y me llaman cariñosamente “gordito” a pesar de mis lamentos. Porque cada noche, cuando me quitan el disfraz de Elvis y me quedo a solas con mi realidad canina, me atrapa el desconsuelo.

Y entonces recuerdo la historia del cura que tuvo que escoger entre la religión o su amada. No recuerdo quien la escribió, ni quien me la explicó. Pero se repite en mi mente como un disco rallado. Será por la impresión que me causó ese hombre aturdido que escogiendo el amor lo perdió todo. Porque ella, de lo que estaba enamorada, en realidad, era de sus hábitos de monje. Y al quitárselos, le abandonó.

Del mismo modo, noche estrellada, a todas horas temo ser abandonado en cualquier carretera. Y posiblemente ese será mi destino el día que pierda mi peluca de Elvis.

¡Guau!

Alexandre Payne continua hablando del teatro de la vida.

Pero hablemos de que va Los descendientes, recien galardonada con un globo de oro a mejor película junto a otro trofeo por su actor principal George Clooney, que capitanea está nueva película del mencionado director Alexandre Payne responsable de Entre copas (Oscar 2004 a Mejor guión original). Los descendientes que se ubica en Hawái es a ratos divertida, a ratos un trágico viaje para Matt King (George Clooney) un indiferente marido y padre de dos hijas, que es obligado a revisar su pasado y afrontar su futuro cuando su mujer sufre un accidente naútico cerca de Waikiki. Este suceso lo conduce a un acercamiento con sus jóvenes hijas (10 y 16) mientras Matt se enfrenta a una decisión de venta de unas tierras de la familia, herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros.

No deja de ser curioso que toda la carrera cinematográfica de Alexander Payne esté llena de personajes que viven en estas sociedades del bienestar y que suelen estar muy bien situados, esas tragicomedias nunca son tomadas desde personas desfavorecidos económica o socialmente, siempre suelen ser clase media alta o alta. Pero todos ellos no pueden escapar así como así del absurdo de la vida, ni de ellos mismos en esta sociedad del consumismo y el vacio existencial sin respuestas ante la vida y la muerte.

No entraré mucho en lo puramente técnico, simples herramientas rendidas a la narración, unas herramientas calibradas, engrasadas y utilizadas con alta precisión.

Para todos los que quieran ver un pedazo de vida narrado por un maestro titiritero que pondrá a los personajes dónde más nos gusta ver, ante conflictos, sonrisas y lágrimas.

Su estreno en salas españolas es el 13 de Enero del 2012.

Dirige Chris Gorak, director artístico de películas como Minority Report o El club de la lucha. Escribe Jon Spaihts, responsable del guión de Prometheus (precuela de Alien: el octavo pasajero) cuyo texto convenció a Ridley Scott volver a dirigir una nueva entrega de la saga. En el plantel de actores tenemos caras conocidas, Emile Hirsch (Hacia Rutas Salvajes, Mi Nombre es Harvey Milk), Max Minghella (La Red Social), Joel Kinnaman (The Killing) y Olivia Thirlby (Juno).

La hora más oscura parte de una premisa, digamos que, poco original (no deja de ser una actualización de La guerra de los mundos) aunque logra atraparnos y entretenernos por gran parte del metraje y la clave está en sus diferencias con lo tradicional: su escenario (Rusia), su especie invasora (haces de luces) y su fuerza visual, una pista de lo que nos espera es que la produce Timur Bekmambetov (director de Wanted, una magnificencia visual con James McAvoy y Angelina Jolie); volviendo al tema, la trama de La hora más oscura parece distinta aunque en el fondo en realidad no lo es tanto.

Lamentablemente el patriotismo de algunos personajes, unos diálogos cliché y el precipitado final hacen que desmerezca el producto final.

Su estreno en salas españolas es el 13 de Enero del 2012.

Esta autodefinida, por los autores, novela gráfica* online son siempre historias cortas autoconclusivas de 2 páginas (una por cada autor). Ambos que guionizan y dibujan de forma independiente se complementan a la perfección (es variable quien empieza y quién lo acaba) y se sirven de este método para contarnos las dos caras de las fechorías de unos mismos personajes o situación, contándonos los secretos oscuros o fueras de campos de la historia de la que parten.

viñeta de Molg H.

viñeta de Néstor F.

Inauguraron el blog de la web con una entrada escrita en el 2019 anunciando (con el morro que se caracterizará el resto de entradas) que llegaba al mercado la 2ª edición impresa tras haber recibido el Premio Eisner, y la pena es que no dejan caer que editorial será la encargada, para invertir en ella básicamente; aunque en esta entrevista dicen algo al respecto.

Al hacer Woomiloo-Moowiloo en web ¿aspiráis a trasladarlo a papel?
Sin duda. Esperamos que Fantagraphics Books o Dargaud se interesen por el proyecto.

En cualquier caso es una recomendación ferviente para que lo leais ahora, antes de que sea demasiado tarde y sean engullidos por alguna ley que luche por una red política y moralmente correcta, además es GRATIS.

*;)

Para los vírgenes en el argumento de la trilogía Millennium, la primera parte es una historia que se puede disfrutar de forma independiente (la trama tiene un principio y un final), se enfoca en la misteriosa desaparición de Harriet Vanger, sobrina de uno de los empresarios más ricos de Suecia. 40 años después el magnate decide contratar a Mikael Blomkvist (Daniel Craig) un periodista financiero para que investigue sobre el caso porque quiere llegar al final del asunto. Por otra parte está Lisbeth Salander (Rooeny Mara) hacker e investigadora privada que previamente ha averiguado los antecedentes de Blomkvist lidia con sus propios problemas, es antisocial por despecho; termina trabajando en el mismo caso.

A rasgos generales denuncia la sociedad más oscura y misógina descendiente de épocas peores aunque en realidad la fuerza de la película reside en la afinidad entre ambos protagonistas, pero prevalece la de Lisbeth Salander. Con un perfil más oscuro, siempre anda a la defensiva mostrándose agresiva por lo que al final apenas se muestra cómo es en verdad.

Un thriller que contiene todo los ingredientes para hacernos pasar un buen rato (158 minutos) cinematográficamente hablando.

Se agradece que no hayan querido americanizar la trama trasladando los hechos a Estados Unidos y que hayan respetado al máximo los (espectaculares y helados) parajes naturales de Estocolmo, Suecia tratados en el manuscrito original.

Son muchos los temas a debate con esta película: segunda adaptación que sufre el texto original y en el que es difícil no pensar cual de las dos es mejor o más fiel, la propia diferencia entre ambas adaptaciones (en realidad muy similares, ¿que diferencias? lo hablamos en los comentarios) o la más destacada, quién es mejor Lisbeth Salander ¿Noomi Rapace o Rooney Mara?

No voy a entrar al trapo, ambas están espectaculares. Por la complejidad psíquica del personaje se convierte en todo un caramelo (y reto) para cualquier actriz y ambas lo han tratado de forma distinta, debido a sus diferentes apariencias una explota más su violencia física y la otra su perfil más rabioso. Para Noomi Rapace ha supuesto toda una lanzadera para dar el salto a Hollywood, actualmente en cartelera compartiendo cartel con Robert Downey Jr. en Sherlock Holmes 2: Juego de sombras, y Rooney Mara recientemente ha obtenido la nominación a Mejor Actriz en los globos de oro 2012 (aún pendiente de fallo del jurado) y no descartemos los Oscars.

David Fincher que tras la multipremiada La red social regresa a un terreno que conoce muy bien, el de engaños y secretos oscuros(Seven, El club de la lucha o Zodiac), se mueve como pez en el agua a pesar de grabar en tierras europeas y logra hacernos remover en el asiento en los momentos más crudos sin apenas mostrarnos nada. Escribe el guión Steven Zaillian (La lista de Schindler, Mission: Impossible).

Quiero remarcar la asombrosa introducción de créditos en Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, una puñetera pieza de arte que se asemeja más a un videoclip musical que otra cosa, de hecho la música no se queda corta con el tema Immigrant Song de Karen O, Trent Reznor y Atticus Ross, un cover del tema original de Led Zeppelin.

Su estreno en salas españolas es el 13 de Enero del 2012.

Empezamos.

¿Cómo nace Rollout?
Rollout Producciones nace de las ganas de trabajar en proyectos estimulantes, creativos e interesantes. Los miembros que empezamos el proyecto Rollout (David Casademunt, Pau Bacardit, Mar Cerdà y Rubén López) llevábamos trabajando desde hacia bastantes años en el mundo del audiovisual y, aunque nos encanta, siempre te da la sensación de que la mayoría de las decisiones son tomadas por otras personas. Por eso creamos nuestra productora, porque queríamos involucrarnos en todo el proceso creativo: desde la idea original hasta la entrega final. Rollout es la fórmula perfecta para poder experimentar, crear, investigar y desarrollar trabajos 100% propios.

Habéis estudiado en la ESCAC, que de sobras es conocida como una escuela de pijos, hijos de papá. ¿Qué opináis?
Nosotros no podemos quejarnos de todo lo que hemos aprendido en la ESCAC. Es cierto que tiene una imagen que a lo mejor no corresponde a la realidad. Suponemos que eso es a causa del precio que tiene, pero es un lugar donde aprendes lo que es en verdad la indústria: ruedas prácticas desde el primer año, aprendes a enfrentarte a las críticas, a aceptar tus errores, a caer y volverte a levantar. Aprendes a trabajar en equipo y a luchar por tus sueños. La mayoría de los estudiantes son gente de clase media que a veces tienen problemas para conseguir pagar la matrícula. Conocemos amigos que durante los estudios trabajaban para pagar el curso, o que colaboraban en la mediateca de la escuela o la sala de edición o la de material para poder seguir estudiando. Así que no creemos que esa sea una escuela de pijos. Simplemente es la imagen que proyecta.

¿Por qué os enfocasteis en hacer videoclips, en vez de ficción, publicidad o documental…?
Nos encanta la música así que fue lo primero que pensamos cuando iniciamos el proyecto de Rollout. El videoclip es el mejor lugar para poder desarrollar la creatividad en el mundo del audiovisual. Aunque su orígen sea para promocionar al artista, normalemente es un mundo donde puedes hacer lo que quieras y como quieras (siempre teniendo en cuenta el presupuesto, claro). Puedes experimentar mucho porque forma parte de la propia naturaleza de los videos musicales. Cuanto más interesante sea el videoclip, más se hablará de él y mayor repercusión tendrá. Eso no quiere decir que no queramos hacer ficción, publicidad o documentales. De hecho hay varios proyectos relacionados con las webseries y el documental musical que esperamos poder llevar a cabo durante el 2012. Nuestro sueño es poder llegar a hacer una película, pero tenemos que ir paso a paso.

¿Qué doctrina seguís a la hora de realizar un videoclip?
Somos muy eclécticos. Podemos hacer cualquier tipo de videoclip, desde uno en que salga el cantante a otro que contenga una historia narrativa con actores y sin aparición del artista hasta uno que sea sólo estética por estética. Nos gusta tener la mente abierta a todo. Para ello, lo primero que hacemos es escuchar la música. Nosotros creemos que el videoclip tiene que ser una herramienta para el artista. Tienes que entender quién es, que imagen quiere proyectar y qué recursos estéticos funcionan con el artista y con la canción en cuestión. Después nos reunimos con ellos para ver si tienen alguna idea o quieren algo en concreto y después nos encerramos para llevar a cabo un brainstorming. Lanzamos ideas, escribimos, buscamos inspiraciones y cuando creemos que tenemos algo interesante se lo hacemos llegar al artista. Si la propuesta es aceptada pues nos tiramos de cabeza a la producción. La verdad es que nunca hemos tenido demasiados problemas y nuestras ideas han sido aceptadas a la primera, sin dudar.

Hacemos un repaso por lo videoclips que habéis realizado hasta la fecha, a ver cómo surgieron, alguna anécdota, …

Domingo Astromántico: Domingo Astromántico fue nuestro primer trabajo. Lo hicimos sin saber si Love of Lesbian les gustaría o no, si lo querrían. Simplemente les escribimos y dijimos: queremos haceros un video. Ellos aceptaron. Ana y David (los realizadores) tenían las cosas muy claras y lo hicimos de corazón. Sin pensar si a los fans les gustaría o si LOL lo aceptarían como video oficial. Fue un salto al vacío. La respuesta no pudo ser mejor: LOL nos respondieron a los pocos minutos de verlo diciendo que les había emocionado y que lo promocionarían como si hubiese sido suyo. La respuesta de los fans fue asombrosa. No esperábamos la reacción que tuvo. Fue algo que todavía nos pone los pelos de punta.

Estirado al Sol: Estirado fue el primero de los videos que hiciimos con The Pinker Tones. La idea fue conjunta entre ellos y nosotros y rodamos durante dos días en la casa de la abuela de uno de ellos. Aunque hubieron algunos problemas técnicos, ellos disfrutaron un montón y fue el principio de una buena amistad.

Tokyo: Tokyo es sin duda el video más complejo que hemos hecho. En él mezclábamos imagen real, imagen stop-motion, chromas… pero todo para contar la historia que narra la canción de TPT. La estética del “corta y pega” siempre ha estado muy presente en el mundo de TPT (la canción Sampléame es un ejemplo) y creímos que eso también podíamos desarrollarlo visualmente. Rodamos durante una semana y se editó en cuatro días. Estamos muy orgullosos del resultado y nos ha dado grandes alegrías, como ganar el premio FIVECC 2011 al mejor videoclip del año.

Disco Disco: Este video fue el resultado de una colaboración con BCN Week. Aceptamos hacer el video del ganador de su concurso IndiePendent y nos lanzamos a hacer algo muy loco, muy bizarro. La idea es del propio cantante y nos pareció tan curiosa (un robot hecho de botellas que baila break-dance) que creemos que ha quedado algo bastante simpático.

Lifeless: Kim Gázquez, un gran amigo nuestro, nos propuso producir este videoclip. Este es uno de los ejemplos que reflejan nuestra idea de que el video tiene que tener la estética que manda la canción y el artista. Podemos hacer Domingo Astromántico, pero también podemos hacer un video de estética gótica / dark como Marilyn Manson. Rodamos en una fábrica abandonada el fin de semana más frío del 2010. La actriz, que está desnuda casi el 80% del video hizo un trabajo fantástico, no se quejó en ningún momento y nos facilitó todo el trabajo.

Invisible: La tercera colaboración con TPT se llevó a cabo para promocionar el coche Nissan Juke en youtube. Era una competición a nivel europea y tenían que llevar a cabo una serie de actividades durante una semana. Nos propusieron rodar un clip y en este caso ellos aceptaron nuestra idea a la primera, aunque era dificil de explicar: os pondremos en medio de Barcelona con cajas en la cabeza, sabanas, melones… Podrían haber dicho que no, pero nos animaron y creemos que el resultado es uno de los videos más divertidos que hemos hecho hasta el momento.

¿Qué ha sido (o es) lo mejor y lo peor de vuestra experiencia dirigiendo videoclips?
Lo peor siempre es tener que ajustarse a los bajos presupuestos que se mueven en el mundo del videoclip. Hace años los presupuestos no estaban mal… pero ahora son muy, pero que muy bajos. Y a veces conseguir hacer cosas interesantes por tan poco dinero es muy difícil. La indústria musical está muy mal, pero la audiovisual está peor. La competencia es feroz y cada año hay más estudiantes de escuelas de cine que trabajan gratis. ¿Porqué te van a pagar para hacer un videoclip si pueden encontrar decenas de personas que lo harán gratis para tener bobina? Eso es algo por lo que nosotros estamos luchando… nosotros hacemos videos con bajo presupuesto, pero siempre intentamos que la gente que trabaja con nosotros gane algo de dinero, que cobre.

Lo mejor es poder trabajar con las bandas y los cantantes. Es una experiencia que enriquece tanto personal como profesionalmente. Nuestras ideas a veces son complejas de explicar y los cantantes aceptan sin dudar, aunque no lo entiendan a veces. Confían ciegamente en nosotros y eso es un orgullo.

Es la primera película de Adam Elliot, director australiano que con Harvie Krumpet ganó el Oscar al Mejor cortometraje de animación en el 2004, también realizado en la técnica de foto a foto. El cast de voces originales de la película tiene entre sus filas nada menos que a Toni Collette, Philip Seymour Hoffman y Eric Bana.

Mary and Max, cuenta la historia que transcurre desde el año 1976 a 1994 entre los dos protagonistas. Mary es una niñita australiana de padre ausente y madre alcohólica. Max es un hombre solitario y maniático, devorado por la gran Nueva York. Ninguno de los dos tiene amigos, hasta que un día el azar hará que inicien una hermosa relación por correspondencia.

Empieza como una divertida película de humor (muy negro en ocasiones) pero que poco a poco, nos adentramos en los sentimientos de Mary y Max, potenciado por el buen uso de la gama de colores (pueden pasar de grises muy oscuros a elementos muy coloridos, según el estado de sus personajes). Adam Elliot logra con un buen hacer que nos podamos sentir, no identificados (porque el tema es finalmente crudo) sino personificados en los personajes (imaginarnos en su situación y comprender sus reacciones).

Cualquier amante del buen cine verá que la creación de personajes en Mary and Max es esplendido y su guión fantástico, me gustaría que esta historia llegase al máximo de gente posible, porque es una pena que con el tiempo que perdemos a veces viendo algunas películas no seamos recompensados en otras como esta.

No está previsto su estreno en salas españolas, pero ya existen otras vías de distribución, disfruten del trailer.